La galería del gran escudero

 

LA GALERÍA

Las pinturas de la galería son una de las grandes creaciones de mitad del siglo XVI. Un maestro desconocido, del entorno de Primatice, probablemente francés, pero bien informado de las decoraciones de Roma, pintó inmensas escenas que ilustraban la historia de Troya y tres episodios de la Eneida de Virgilio (70-19 a. C). Estas se inscriben en marcos trampantojo habitados por figuras relacionadas con el tema.

El suelo está cubierto por baldosas esmaltadas grises, verdes, azules y amarillas. La superficie se divide en compartimentos cuadrados que representan cinco dibujos diferentes. El compartimento central está ocupado por un laberinto.
 

EL TECHO

El techo anclado a la solera, sujeta con 10 vigas, está dividido en pequeños casetones cuadrados pintados en su mayoría durante el siglo XVII. El techo quedó deteriorado tras un incendio en 1627.

  

 

El comanditario de las decoraciones de la galería, Claude Gouffier, gran escudero del Rey, incluyó su lealtad y su fidelidad al soberano. En particular, destaca sobre la chimenea una emblemática de carácter con armas, escudo y el lema «hic terminus haeret» (aquí está el límite).

 

Escena I  El prólogo: La gloria de Francisco I

La inscripción que subsiste en parte dedica la galería a Francisco de Valois, «Rey de los franceses, príncipe muy cristiano, muy invencible y muy poderoso […]» Las figuras pintadas en los marcos representan en el centro a Pegaso, personificación de la celebridad del soberano, Apolo a la izquierda, y Marzo o Minerva a la derecha, dioses de las artes y de la guerra.

 

Escena II La asamblea de los dioses

 

Los dioses se reúnen en asamblea para la boda de Tetis y Peleo (padres de Aquiles). Eris, diosa de la discordia, representada con alas de murciélago, siembra la confusión en el banquete colocando en medio de todos la manzana de oro destinada a la más bella de las diosas. Júpiter se niega a asignarla y ordena a Mercurio, de pie cerca de él, que conduzca a Juno, Minerva y Venus al monte Ida, donde Paris juzgará su belleza. En el centro de la base inferior, el anciano desnudo, enorme, tumbado en un nicho ovalado, se encuentra Demogorgón, padre de los dioses cuyo primer hijo fue la Discordia.
 

Escena III El juicio de Paris

 

Sentado cerca de una cueva, Paris entrega la manzana de oro a Venus, coronada por dos querubines, quien le ha prometido el amor de la mujer más bella del mundo. Mercurio está rodeado de Juno, acompañada por su pavo real que amenaza a Paris, y de Minerva, que recupera sus prendas. En segundo plano, a la izquierda, descubrimos un bello paisaje con edificios antiguos y un pastor sentado toca la gaita vigilando a una boyada. El motivo que corona la composición tiene un sentido preciso: la máscara humana con orejas de burro y cuernos de buey parece una alegoría del pastor cuya estupidez causará la ruina de Troya.
 

Escena IV El rapto de Helena

 

El rapto de Helena a manos de Paris y la escena de combate destacan sobre un vasto paisaje que evoca la ciudad de Esparta en ruinas (de la que Helena era reina) y su puerto donde están ancladas las naves troyanas. La atmósfera dramática de las luces de tormenta y las figuras que enmarcan la escena hacen presentir las consecuencias fatales de este rapto. En el marco, las furias gritan venganza contra Paris, las cabezas de león y de lobo personifican la cólera y la violencia.

 

Escena V El sacrificio de Ifigenia

 

La escena evoca el momento en que la diosa Diana cambia a un ciervo por Ifigenia, a quien su padre Agamenón iba a sacrificar para conjurar la tempestad que retenía la flota en el puerto de Áulide, evitando así que se hiciera a la mar para la guerra. La inscripción denuncia la actitud de Agamenón y de los griegos que han arruinado la ciudad: «Habéis calmado los vientos con la sangre y el asesinato de una virgen». Las figuras del marco completan la escena: los unicornios evocan la pureza de la joven sacrificada, los delfines las carreras de barcos, las caras regordetas a los vientos y las cabezas de bueyes a los sacrificios.
 

Escena VI El combate cerca de las naves 

    

El relato de la guerra de Troya comienza con esta escena de batalla. Detrás de los combatientes se ve una ciudad a orillas del mar y una columnata de dos niveles que representa un edificio antiguo muy real: los Pilares de Tutela de Burdeos.
 

Escena VII El asesinato de Patroclo 

 

Esta pintura más pequeña ocupa la pared encima de las puertas que llevan a la capilla y a la escalera. Un episodio que no sigue la lógica del relato, ya que los funerales de Patroclo se celebran después de que su amigo Aquiles lo vengara matando a Héctor, su asesino (escena IX). Las figuras del marco, sátiras, querubines, máscaras peludas y barbudas, son puramente decorativas.
 

Escena VIII Escenas de combate  

Una gran composición, la más vasta del programa, ocupa toda la pared del fondo y la pared oeste hasta la primera ventana. La escena no se puede identificar con precisión. Se trata sin duda de una batalla típica, con los combatientes vistiendo uniformes antiguos, pero las armas que yacen sobre el suelo son del Renacimiento.
   

Escena IX El combate singular    

   

La inscripción indica que se trata del combate singular que opone a Paris y a Menelao, rey de Esparta y esposo de Helena: «Ni el combate singular, ni los sacrificios, ni los altares de Príamo pueden borrar la mancha del lecho nupcial» Las figuras anexas explican la escena. Los labios evocan la cobardía de Paris, que intenta huir, y Menelao representado por cabezas de león. El paisaje urbano se identifica como una vista de Roma: la isla Tiberina, el puente Fabricio, las cuestas del Capitolio y del Palatino. La precisión de esta representación indica que el pintor había realmente visto la ciudad de Roma.
  

Escena X La muerte de Héctor 

La inscripción permite identificar la batalla: «Sigue la terrible y lamentable matanza de los frigios por parte de Aquiles tras la muerte de Héctor». La muerte de Héctor durante una emboscada tendida por Aquiles. Esta versión de los hechos no es la de Homero, sino la de Dictis de Creta, sin duda porque el relato permite al autor describir una batalla ecuestre. La ciudad, encaramada sobre una roca, evoca el mundo antiguo. En el marco, las caras expresan el terror, la máscara alada grita de espanto, los putti se agarran la cabeza y gritan, las dos mujeres roñosas personifican la desgracia y la ruina y las cabezas de bueyes negros simbolizan la muerte. Solo las dos figuras de mujeres apoyadas en largos bastones aportan una nota de esperanza: son imágenes de la Constancia que anuncian la intervención futura de Eneas.

 

Escena XI El caballo de Troya

     

Este caballo de madera, lleno de guerreros griegos, introducido astutamente en Troya por el traidor Sinón (soldado griego), ocupa el centro de la escena. Detrás, Laoconte (sacerdote del templo de Apolo) dispuesto a lanzar su jabalina contra el vientre del caballo para demostrar que suena hueco. En primer plano, Sinón es llevado ante el rey Príamo, con túnica roja y corona. Las figuras del marco ilustran el mal, la violencia y la astucia.
  

Escena XII La huida de Eneas 

Troya es tomada gracias al estratagema del caballo, que figura varado en una plaza. Los troyanos huyen en primer plano: Eneas lleva a su padre Anquises sobre sus hombros y a su hijo Ascanio de la mano; se dirigen hacia la escena diurna donde las naves los esperan para embarcar. La inscripción retoma dos versos de la Eneida de Virgilio, pronunciados por Eneas, convertido en personaje principal del ciclo: «¿Qué palabras podrían describir esta noche de masacres y estos funerales? ¿Qué lágrimas responderían a nuestras desgracias?»

Las figuras femeninas laterales gritan de desesperación, los tobillos y las manos atados evocan la suerte reservada a los vencidos, hechos esclavos.
 

Escena XIII Las armas y los combates de Eneas 

En el centro de la composición, sobre una plataforma rocosa, los cíclopes y Vulcano forjan las armas de Eneas. Esta pintura resume sucintamente las aventuras del héroe; las escenas laterales aluden a los años de navegación del troyano y a la conquista de Italia recordando su protección divina.

Escena XIV La rama dorada 

Esta pintura fue completamente reconstruida por Louis Gouffier tras la apertura de la ventana y tal vez después del incendio de 1627. Representa a Hércules y a las yeguas de Diomedes. En cambio, la rama dorada que figura en el marco de la base inferior es un vestigio de la composición inicial y permite identificar el sujeto desaparecido: la visita de Eneas a Sibila.
 

 Escena XV Eneas desciende a los infiernos   

   

Esta última composición, pintada en primer lugar, ocupa el extremo de la pared suroeste hasta la chimenea. A la izquierda, la entrada de los infiernos custodiada por el perro Cerbero; un conjunto que Louis Gouffier manda volver a pintar partiendo de los vestigios originales. La parte de la derecha es original. Se trata de Tártaro (lugar donde Eneas no ha entrado, pero que es descrito por Sibila), donde los criminales reciben su castigo. El Infierno de Oiron no se corresponde a la descripción de Virgilio, sino que refleja más bien una ilustración moderna de la traducción francesa de l grabado del Sueño de Polífilo (1546).